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所周知，国际钢琴比赛大大小小林林总总，肖邦、克莱本、利兹、柴科夫斯基等品牌资深大多已有数十年历史。而直到进入新世纪的2001年，一个国际钢琴协奏曲比赛才出现在日本仙台，仅只十数年历史。国内第一个同类比赛2006年始见于深圳，2015年正式进入联合国教科文组织所属“音乐比赛联盟”，2017年更名为第四届深圳国际钢琴协奏曲音乐周。
本届音乐周历时12天共举办14场音乐会和10堂大师班课，评委专家一身数职夜以继日辛苦劳累。野岛稔（日本）、雅欣斯基（波兰）、莱昂内尔·莫拉莱斯·阿隆索（西班牙）、克里斯托弗·埃尔顿（英国）四位教授百忙拨冗接受采访。谈话内容涉及音乐周引出的诸多话题，有关钢琴艺术的中外差异、教育教学、国际赛事、发展趋势，等等。
本文提纲挈领突出要点，同读者分享——
一、同类比赛各具特色
因在音乐周紧密日程中插空采访，请四位专家按既定时间顺序到场。他们事先并无商议交流，很多问题却“英雄所见略同”，很多观点也异口同声。
日本东京音乐学院院长野岛稔先生应邀首次担任本届评委，笔者将其列入首位约请的受访者，因为他曾多次出任范·克莱本国际钢琴比赛评委，更重要的他还是仙台国际钢琴协奏曲比赛评委会主席。中国青年钢琴家在那里崭露头角屡获佳绩，如，王羽佳2001年获第一届第三名，谭小棠2004年获第二届第一名；许忠2010年则应邀担任评委。第一次来到深圳作评委的野岛稔先生，触景生情感触良多。
日本学者大多以儒雅温良的形象示人，野岛稔也不例外。他语速徐缓，声调平和，谈及对深圳国际钢琴协奏曲音乐周的印象，他首先肯定总体曲目选择很好。第一轮两首练习曲、一部莫扎特协奏曲，配以弦乐四重奏乐队，既能帮助年轻人理解表现音乐，又可突出其独奏水平。野岛先生介绍，仙台前两届也和深圳相同。从第三届开始做了变更，第一轮撤换练习曲和协奏曲，改为30-35分钟自选独奏曲，这样评委和观众可以更多听到演奏者真实而独立的音乐表现。
在日本仙台举办国际钢琴协奏曲比赛五年两届之后，中国深圳即随之迅速跟进。中国深圳赛制模式基本参照前者，但具体内容有所更新，曲目范围有所增扩。第二轮多一首作品，相對难度也有所提升。
正如周广仁教授曾对记者言称，钢琴协奏曲比赛最大的难度是请乐队合作，需要很大一笔资金支持。一般国际比赛前两轮都是独奏，只有六人进入决赛，需要乐队准备六首曲子就可以了。而协奏曲比赛从开始到结束，全程需要乐队，但这一笔费用就相当可观。所以为什么全世界的协奏曲比赛很难办起来、办下去，因为开支大、负担重，有着超常的工作量。虽然深圳相比仙台起步晚了五年两届。但后起之秀新的高起点主要体现在评委成员，从第一届到第四届，全力保证世界最高级别。中国的国际比赛正向世界的国际大赛看齐。通过实践学习国外先进经验，取得可喜的发展。
野岛稔先生认为，用成熟乐队最大的好处是，既能带动独奏者，又能锻炼独奏者。举办一场钢琴协奏曲大赛实在不容易，而对于钢琴学习者又实在很重要。深圳于中国，仙台于日本，都不属于最高端的城市，但都以高端的文化眼光和文化气度，做了并不普通的国际钢琴协奏曲比赛，这对全世界的钢琴学习者都会产生巨大吸引力，这就是独奏曲和协奏曲之间不同的意义。
高大英俊如电影明星的莱昂内尔·莫拉莱斯·阿隆索同野岛稔先生一样，也是首次担任本届音乐周评委。这位业界公认的“贝多芬最佳演绎者之一”的钢琴大师强调，钢琴这件乐器，十分神奇与独特。一是它的文献特别多，要多于其他任何一种乐器；二是所有作曲家的作品，无论什么体裁、无论什么体量，基本都是在钢琴上完成，所以钢琴是音乐的根源和基础。他在曲目安排上提出了自己的见解，现在越来越多年轻的演奏者，争相演奏越来越高难的作品。因鉴于第三轮安排普罗科菲耶夫、拉赫玛尼诺夫等作曲家的大作力作，可以在第二轮考虑安排一些古典之后的“晚期”作品，这对于青年演奏家循序渐进提高表现音乐的能力更有裨益。
二、同步赏析各显神通
在本届音乐周开幕音乐会上，上届比赛第一名马可演奏的拉赫玛尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》给人留下深刻印象。她的导师英国皇家音乐学院教授克里斯托弗·埃尔顿教授再度出任评委，一番话意味深长、发人深省。
埃尔顿教授非常肯定马可目前“已达到演奏家应有的技术水平和表现状态”，但他不会把马可硬掰成“埃尔顿”的样子。“钢琴教学和所有专业一样，最重要是因材施教，我希望学生逐步发展，而不是一步登天。”埃尔顿认为马可最大的优点是，在舞台上不会刻意地炫技。有些观众或许认为她的演奏不够激情的“热度”，还不具备足够的能量。“但我不希望马可去迎合观众”，教授希望自己的学生，保持最自然的状态，现在对音乐能够理解多少、表现多少，那就维护她对音乐的认识和把控。
在包括克莱本等重大国际赛事都担任过评委的埃尔顿，总会发现相当数量的选手喜欢炫技，弹得特别快又特别强。“他们以为这样可以征服观众，可是这样却不能说服评委，我们都不会认为，只要快和强就能代表音乐好、你很棒。”这几位专家都一一涉及了这个问题：在比赛时，很多选手过于追求速度，好像特别迫切急于打破世界纪录。实际上包括李斯特在内的作品，某些段落并非纯粹快板。如果弹得过快，在音乐上损失太大；如果以破坏音乐里的意境和韵致为代价，岂不得不偿失？还有某些选手上了舞台，既不听自己、更不听乐队，原本很好听的音乐，结果变得特别难听，那又是为什么呢？
再度应邀参加深圳音乐周，听第一轮的莫扎特，“有的人弹得那么机械化式的又快又响；有的人又弹得过于谦卑拘谨，基本没有自己的表达。”埃尔顿教授想问问这些演奏者，你对莫扎特音乐到底了解多少？他的劝诫给人启示，“演奏者不但应该了解莫扎特的钢琴作品，其他包括他的室内乐、交响乐，特别是声乐作品、歌剧作品，你都应该去了解，这样会对演奏钢琴大有帮助。”
埃尔顿教授说，钢琴的演奏不仅需要弹出最美的音色，而且还应把一件乐器想象成一个乐队，有时需要模仿圆号，有时要像长笛，有时还需要像大提琴…… 他还再次强调在大师班讲的话，钢琴家应该像一位歌唱家。演奏时必须注重音乐里的歌唱性，要面对观众歌唱，“唱”出内心的旋律。很重要的是，这些旋律并不是单调的呈现，必须注意斑斓色彩的丰富变化。
有着俄罗斯钢琴学派教育背景的野岛稔教授深有感触，中国演奏家或东方演奏家，大多对旋律特别重视，也特别擅长旋律的表现，但有时却会忽略甚至丢失了和声部分。很多作品的和声部分恰恰至关重要，它对表现音乐所起到的作用无可替代，因为大多数的和声织体对于整体风格、年代标识、流派特征、个性语言都是无可或缺的强力支柱。
“作曲家的创作意图，在谱面上只能表达20%。”阿隆索教授如是说，作曲家想要表达的远远不止这些。演奏者不要仅受谱面限制，音乐表现的80%需要更多了解其文化背景、创作理念、风格特征。在采访中埃尔顿也多次提到，青年演奏者必须要做的功课就是“走进作曲家的内心世界，必须读懂音符、谱面以外的所有相关信息，你才能真正地理解音乐，正确地表现音乐。”
三、同为秘籍各取所需
无论一线的北上广还是西部的成都、贵阳、昆明等城市，雅欣斯基、埃尔顿等专家都曾去上过大师班、坐过评委席，听过很多学生演奏。他们一致肯定中国改革开放的近四十年，音乐教育包括钢琴教育发展的惊人速度。钢琴教学基本与世界同步，在技术上的发展进步特别快，有的中学生其演奏技能已达到相当高的程度，还不时“冒出”几个天才神童。
同时他们也注意到，相当数量的中国学生，既有西方学生羡慕的优势，又有西方学生普遍的问题，有些甚至更为突出。虽然都是“老生常谈”，可是这些年似乎并未得到有效的修正与改善。如，弹琴时不经意的“表情”比较夸张，前面提及超常的速度过快或过慢、力度过强或过弱的毛病还不同程度的存在。如何正确把握音乐表现的分寸尺度，还待于不断加强学习和实践。
雅欣斯基建议学生对已经熟悉的经典再做一些简单、即兴的改编，如巴赫的赋格，等等，这样的练习对音乐表现很有用处。他最不建议所有学生都盲目地去模仿已经成功的郎朗、王羽佳，“你是你自己，你要做好你自己。”参加比赛，可能取胜、可能失败。无论成功还是失败对于演奏者都会有很大的收获，这种收获不上赛场永远无法获取。有的演奏者这次获了獎，今后也有可能走下坡路；有的演奏者这次没获奖，今后也有可能通过坚持不懈的努力，越走越高、越走越远，走到别人看不见、追不上，永远难以望其项背的艺术高度。
在奥地利萨尔茨堡，阿隆索教授门下有25名学生，其中6名来自中国，在马德里他也带着5名中国学生。教授认为，参加类似音乐周的演奏，年轻人最大的收获是：通过接触并准备大量作品，可以掌握课堂上学不到的演奏技能；在一个阶段里，有机会磨练意志承受压力，可以有效增强抗压能力；同高手过招，同大师结识，学到很多在自己老师那里学不到的新东西；更多地了解到同时代趋向、同专业的高度、同龄人的水平；通过在音乐厅演出实践中同乐队合作、同观众互动，开阔眼界、积累经验，而非局限于校园课堂、老师同学，提高演奏时情绪心理变化的自我调节适应能力。
野岛稔教授特别赞赏并感谢音乐周的主办者，为青年演奏家提供了全面的帮助。同时他也有些遗憾，现场观众的掌声不够热烈也不够持久，演奏者鞠躬谢幕还没退场，掌声已经很快就停了下来。他回忆自己在少年、青年时代曾多次参加比赛，评委怎么打分都不会想得太多，但特别在意观众的反应如何。听到很多掌声感觉特别喜悦很受鼓舞。野岛稔语重心长地表示，希望观众对年轻人表现得能再热情一些、耐心一些。将来一定会有更多年轻人，从世界各地来到深圳，而音乐周，将会成为他们钢琴艺术漫长征程的一个终生难忘的始发站点。
雅欣斯基希望学生，应把有限的时间精力投入到无限的艺术探索，如果练琴遇到“瓶颈”，一不要郁闷、二不要较劲，最好别再勉强自己，因为事倍功半效果不会理想。干脆休息一会、放松一下，旅游、感受其他文化，然后，重新回到音乐。他还特别寄语中国青年钢琴家：你们不仅要通过钢琴学习西方音乐，更重要的是，一定要热爱和重视自己国家的民族音乐，千万不要淡忘、忽略中国的音乐，因为，中国音乐里有很多值得世界学习的优秀的文化传统。
陈志音 原《音乐周报》副总编辑
（责任编辑 刘晓倩）
本届音乐周历时12天共举办14场音乐会和10堂大师班课，评委专家一身数职夜以继日辛苦劳累。野岛稔（日本）、雅欣斯基（波兰）、莱昂内尔·莫拉莱斯·阿隆索（西班牙）、克里斯托弗·埃尔顿（英国）四位教授百忙拨冗接受采访。谈话内容涉及音乐周引出的诸多话题，有关钢琴艺术的中外差异、教育教学、国际赛事、发展趋势，等等。
本文提纲挈领突出要点，同读者分享——
一、同类比赛各具特色
因在音乐周紧密日程中插空采访，请四位专家按既定时间顺序到场。他们事先并无商议交流，很多问题却“英雄所见略同”，很多观点也异口同声。
日本东京音乐学院院长野岛稔先生应邀首次担任本届评委，笔者将其列入首位约请的受访者，因为他曾多次出任范·克莱本国际钢琴比赛评委，更重要的他还是仙台国际钢琴协奏曲比赛评委会主席。中国青年钢琴家在那里崭露头角屡获佳绩，如，王羽佳2001年获第一届第三名，谭小棠2004年获第二届第一名；许忠2010年则应邀担任评委。第一次来到深圳作评委的野岛稔先生，触景生情感触良多。
日本学者大多以儒雅温良的形象示人，野岛稔也不例外。他语速徐缓，声调平和，谈及对深圳国际钢琴协奏曲音乐周的印象，他首先肯定总体曲目选择很好。第一轮两首练习曲、一部莫扎特协奏曲，配以弦乐四重奏乐队，既能帮助年轻人理解表现音乐，又可突出其独奏水平。野岛先生介绍，仙台前两届也和深圳相同。从第三届开始做了变更，第一轮撤换练习曲和协奏曲，改为30-35分钟自选独奏曲，这样评委和观众可以更多听到演奏者真实而独立的音乐表现。
在日本仙台举办国际钢琴协奏曲比赛五年两届之后，中国深圳即随之迅速跟进。中国深圳赛制模式基本参照前者，但具体内容有所更新，曲目范围有所增扩。第二轮多一首作品，相對难度也有所提升。
正如周广仁教授曾对记者言称，钢琴协奏曲比赛最大的难度是请乐队合作，需要很大一笔资金支持。一般国际比赛前两轮都是独奏，只有六人进入决赛，需要乐队准备六首曲子就可以了。而协奏曲比赛从开始到结束，全程需要乐队，但这一笔费用就相当可观。所以为什么全世界的协奏曲比赛很难办起来、办下去，因为开支大、负担重，有着超常的工作量。虽然深圳相比仙台起步晚了五年两届。但后起之秀新的高起点主要体现在评委成员，从第一届到第四届，全力保证世界最高级别。中国的国际比赛正向世界的国际大赛看齐。通过实践学习国外先进经验，取得可喜的发展。
野岛稔先生认为，用成熟乐队最大的好处是，既能带动独奏者，又能锻炼独奏者。举办一场钢琴协奏曲大赛实在不容易，而对于钢琴学习者又实在很重要。深圳于中国，仙台于日本，都不属于最高端的城市，但都以高端的文化眼光和文化气度，做了并不普通的国际钢琴协奏曲比赛，这对全世界的钢琴学习者都会产生巨大吸引力，这就是独奏曲和协奏曲之间不同的意义。
高大英俊如电影明星的莱昂内尔·莫拉莱斯·阿隆索同野岛稔先生一样，也是首次担任本届音乐周评委。这位业界公认的“贝多芬最佳演绎者之一”的钢琴大师强调，钢琴这件乐器，十分神奇与独特。一是它的文献特别多，要多于其他任何一种乐器；二是所有作曲家的作品，无论什么体裁、无论什么体量，基本都是在钢琴上完成，所以钢琴是音乐的根源和基础。他在曲目安排上提出了自己的见解，现在越来越多年轻的演奏者，争相演奏越来越高难的作品。因鉴于第三轮安排普罗科菲耶夫、拉赫玛尼诺夫等作曲家的大作力作，可以在第二轮考虑安排一些古典之后的“晚期”作品，这对于青年演奏家循序渐进提高表现音乐的能力更有裨益。
二、同步赏析各显神通
在本届音乐周开幕音乐会上，上届比赛第一名马可演奏的拉赫玛尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》给人留下深刻印象。她的导师英国皇家音乐学院教授克里斯托弗·埃尔顿教授再度出任评委，一番话意味深长、发人深省。
埃尔顿教授非常肯定马可目前“已达到演奏家应有的技术水平和表现状态”，但他不会把马可硬掰成“埃尔顿”的样子。“钢琴教学和所有专业一样，最重要是因材施教，我希望学生逐步发展，而不是一步登天。”埃尔顿认为马可最大的优点是，在舞台上不会刻意地炫技。有些观众或许认为她的演奏不够激情的“热度”，还不具备足够的能量。“但我不希望马可去迎合观众”，教授希望自己的学生，保持最自然的状态，现在对音乐能够理解多少、表现多少，那就维护她对音乐的认识和把控。
在包括克莱本等重大国际赛事都担任过评委的埃尔顿，总会发现相当数量的选手喜欢炫技，弹得特别快又特别强。“他们以为这样可以征服观众，可是这样却不能说服评委，我们都不会认为，只要快和强就能代表音乐好、你很棒。”这几位专家都一一涉及了这个问题：在比赛时，很多选手过于追求速度，好像特别迫切急于打破世界纪录。实际上包括李斯特在内的作品，某些段落并非纯粹快板。如果弹得过快，在音乐上损失太大；如果以破坏音乐里的意境和韵致为代价，岂不得不偿失？还有某些选手上了舞台，既不听自己、更不听乐队，原本很好听的音乐，结果变得特别难听，那又是为什么呢？
再度应邀参加深圳音乐周，听第一轮的莫扎特，“有的人弹得那么机械化式的又快又响；有的人又弹得过于谦卑拘谨，基本没有自己的表达。”埃尔顿教授想问问这些演奏者，你对莫扎特音乐到底了解多少？他的劝诫给人启示，“演奏者不但应该了解莫扎特的钢琴作品，其他包括他的室内乐、交响乐，特别是声乐作品、歌剧作品，你都应该去了解，这样会对演奏钢琴大有帮助。”
埃尔顿教授说，钢琴的演奏不仅需要弹出最美的音色，而且还应把一件乐器想象成一个乐队，有时需要模仿圆号，有时要像长笛，有时还需要像大提琴…… 他还再次强调在大师班讲的话，钢琴家应该像一位歌唱家。演奏时必须注重音乐里的歌唱性，要面对观众歌唱，“唱”出内心的旋律。很重要的是，这些旋律并不是单调的呈现，必须注意斑斓色彩的丰富变化。
有着俄罗斯钢琴学派教育背景的野岛稔教授深有感触，中国演奏家或东方演奏家，大多对旋律特别重视，也特别擅长旋律的表现，但有时却会忽略甚至丢失了和声部分。很多作品的和声部分恰恰至关重要，它对表现音乐所起到的作用无可替代，因为大多数的和声织体对于整体风格、年代标识、流派特征、个性语言都是无可或缺的强力支柱。
“作曲家的创作意图，在谱面上只能表达20%。”阿隆索教授如是说，作曲家想要表达的远远不止这些。演奏者不要仅受谱面限制，音乐表现的80%需要更多了解其文化背景、创作理念、风格特征。在采访中埃尔顿也多次提到，青年演奏者必须要做的功课就是“走进作曲家的内心世界，必须读懂音符、谱面以外的所有相关信息，你才能真正地理解音乐，正确地表现音乐。”
三、同为秘籍各取所需
无论一线的北上广还是西部的成都、贵阳、昆明等城市，雅欣斯基、埃尔顿等专家都曾去上过大师班、坐过评委席，听过很多学生演奏。他们一致肯定中国改革开放的近四十年，音乐教育包括钢琴教育发展的惊人速度。钢琴教学基本与世界同步，在技术上的发展进步特别快，有的中学生其演奏技能已达到相当高的程度，还不时“冒出”几个天才神童。
同时他们也注意到，相当数量的中国学生，既有西方学生羡慕的优势，又有西方学生普遍的问题，有些甚至更为突出。虽然都是“老生常谈”，可是这些年似乎并未得到有效的修正与改善。如，弹琴时不经意的“表情”比较夸张，前面提及超常的速度过快或过慢、力度过强或过弱的毛病还不同程度的存在。如何正确把握音乐表现的分寸尺度，还待于不断加强学习和实践。
雅欣斯基建议学生对已经熟悉的经典再做一些简单、即兴的改编，如巴赫的赋格，等等，这样的练习对音乐表现很有用处。他最不建议所有学生都盲目地去模仿已经成功的郎朗、王羽佳，“你是你自己，你要做好你自己。”参加比赛，可能取胜、可能失败。无论成功还是失败对于演奏者都会有很大的收获，这种收获不上赛场永远无法获取。有的演奏者这次获了獎，今后也有可能走下坡路；有的演奏者这次没获奖，今后也有可能通过坚持不懈的努力，越走越高、越走越远，走到别人看不见、追不上，永远难以望其项背的艺术高度。
在奥地利萨尔茨堡，阿隆索教授门下有25名学生，其中6名来自中国，在马德里他也带着5名中国学生。教授认为，参加类似音乐周的演奏，年轻人最大的收获是：通过接触并准备大量作品，可以掌握课堂上学不到的演奏技能；在一个阶段里，有机会磨练意志承受压力，可以有效增强抗压能力；同高手过招，同大师结识，学到很多在自己老师那里学不到的新东西；更多地了解到同时代趋向、同专业的高度、同龄人的水平；通过在音乐厅演出实践中同乐队合作、同观众互动，开阔眼界、积累经验，而非局限于校园课堂、老师同学，提高演奏时情绪心理变化的自我调节适应能力。
野岛稔教授特别赞赏并感谢音乐周的主办者，为青年演奏家提供了全面的帮助。同时他也有些遗憾，现场观众的掌声不够热烈也不够持久，演奏者鞠躬谢幕还没退场，掌声已经很快就停了下来。他回忆自己在少年、青年时代曾多次参加比赛，评委怎么打分都不会想得太多，但特别在意观众的反应如何。听到很多掌声感觉特别喜悦很受鼓舞。野岛稔语重心长地表示，希望观众对年轻人表现得能再热情一些、耐心一些。将来一定会有更多年轻人，从世界各地来到深圳，而音乐周，将会成为他们钢琴艺术漫长征程的一个终生难忘的始发站点。
雅欣斯基希望学生，应把有限的时间精力投入到无限的艺术探索，如果练琴遇到“瓶颈”，一不要郁闷、二不要较劲，最好别再勉强自己，因为事倍功半效果不会理想。干脆休息一会、放松一下，旅游、感受其他文化，然后，重新回到音乐。他还特别寄语中国青年钢琴家：你们不仅要通过钢琴学习西方音乐，更重要的是，一定要热爱和重视自己国家的民族音乐，千万不要淡忘、忽略中国的音乐，因为，中国音乐里有很多值得世界学习的优秀的文化传统。
陈志音 原《音乐周报》副总编辑
（责任编辑 刘晓倩）